Sybilla reivindica el tiempo, el oficio y la emoción: "Quizás hay un empacho de moda rápida y se empieza a buscar algo distinto"

Sybilla es una de las grandes voces de la moda española contemporánea, un emblema y el nombre artístico de María Sybilla Sorondo. Nacida en Nueva York en 1963 y criada en Madrid, debutó con apenas 20 años y muy pronto se convirtió en una figura clave de la escena creativa de los años 80 y 90. Aunque su presencia en el circuito mediático es intermitente, su influencia sigue muy viva: en la referencia recurrente para diseñadores y estilistas que reivindican una moda más artística, emocional y atemporal.

Diseñadora de culto, construyó desde los años ochenta un universo propio, reconocible por el volumen, el color, la ligereza y una manera muy personal de entender la feminidad. Admirada dentro y fuera de España, protagonista de exposiciones, su nombre sigue asociado a una elegancia silenciosa, sensible e intelectual que hoy vuelve a encontrar eco en nuevas generaciones.

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POR Paula Mata

Hemos logrado robarle su preciado tiempo y para que nos hable en medio de la vorágine de la moda madrileña de cómo tejer una trayectoria y de su visión de un sector que solo se conoce con décadas de perspectiva.

Pregunta: Tú hablas de costura, de tiempo y de procesos en un momento en el que la moda parece ir a una velocidad casi imposible. ¿Cómo se protege la creación cuando todo empuja a ir más rápido?

Respuesta: No hay duda de que en la moda todo va rápido. Con los años yo he ido desarrollando un sistema que consiste en tener muchas prendas en marcha que van madurando mientras trabajo en ellas y hay siempre cosas listas para salir en distintos momentos. Así puedo permitirme trabajar durante años en algunas ideas hasta que realmente están preparadas, pero al mismo tiempo siempre tengo piezas que pueden salir cuando llega el momento.

El haber trabajado durante tanto tiempo en Japón, donde las colecciones son muy grandes y se renuevan varias veces dentro de una misma temporada, ha sido una práctica muy buena para aprender ese ritmo.

Un pintor a menudo trabaja sobre distintos lienzos, un escritor sobre varias ideas a la vez, algunas se atascan y otras fluyen, es algo parecido. El proceso de investigación y de reflexión es muy importante en mi trabajo, igual que probar las prendas en distintos cuerpos para ir mejorándolas. 

Mi manera de trabajar quizá no se percibe a primera vista, pero sin duda las clientas lo sienten cuando se prueban las prendas, incluso las más sencillas llevan detrás mucho trabajo y mucho cariño.

P: Siempre has defendido las cosas bien hechas, incluso cuando eso iba a contracorriente. ¿Ha sido más difícil mantener esa coherencia?

R: No es fácil. Yo me resisto a convertir la marca en un producto más al uso, banalizarlo, acelerarlo, crear marca y ‘bombo’, en vez de trabajar en los procesos y la calidad de lo que hacemos. Mi marca se vendió siempre por lo bien que sienta la ropa, por diseño, no por campañas de publicidad o salir en las revistas.

"Busco que una prenda pueda dar alegría y fuerza y hacerle la vida más fácil a alguien"

La marca fue recuperada por un inversor coleccionista, gran conocedor de la moda, que deseaba crear cosas realmente distintas y hechas de otra manera, respetaba mucho mi trabajo, y eso nos ha permitido renacer con ciertos estándares que nos diferencian del resto. Espero que eso se pueda mantener en el futuro.

P: ¿Qué significa ahora para ti “hacer bien” una colección o una pieza?

R: Yo dibujo poco, modelo mucho. Pruebo las prendas en distintos cuerpos, las veo en movimiento, las dejo reposar, trabajo a menudo de noche, me las llevo de viaje.

El equipo y la energía que se crea entre nosotros a la hora de ir desarrollando la colección es fundamental. Siempre he dicho que las mejores prendas son las que han nacido entre risas.

Unas prendas son un desafío técnico para conseguir una forma, un volumen nuevo; otras responden a un deseo o cubrir una necesidad. Busco que una prenda pueda dar alegría y fuerza y hacerle la vida más fácil a alguien. Sé que eso es algo subjetivo, pero es lo que persigo cuando trabajo y lo reconocemos cuando lo encontramos. Las modelos y mis ayudantes son parte importante de la colección, son a menudo mis musas, así como las clientas a las que conozco en las tiendas.

P: Tu trabajo ha atravesado décadas sin perder una identidad clara. ¿Sientes que el presente entiende mejor tu lenguaje o que sigue siendo una forma de resistencia?

R: Me emociona que la gente reconozca las prendas, aunque sea algo totalmente nuevo que no hice antes y el reconocimiento en general que estamos recibiendo, que no esperaba. 

No sé qué ha pasado en los últimos años, que parece que la gente valora y comprende lo que hacemos, lo busca, lo aprecia. Tanta gente me escribe para decirme cómo se alegra de que hayamos vuelto. Y la gente joven se sorprende cuando nos descubre, aprecia el patronaje, la calidad, los detalles, las series pequeñas o los modelos únicos. No sé si habrá empacho de moda rápida, quizás en general hay más cultura de moda, o la gente empieza a buscar algo distinto.

P: Tu exposición funcionó casi como un ejercicio de memoria íntima. ¿En qué momento sentiste que tu obra necesitaba mirarse hacia atrás para poder seguir avanzando? ¿Hay algo que hoy no volverías a hacer y algo que sigues defendiendo con la misma convicción que al principio?

R: Me resistí mucho a hacer esa exposición, me daba vértigo y pudor, pero una vez hecha fue algo liberador y también una experiencia esclarecedora. 

La comisaria, Laura Cerrato, hizo un ejercicio increíble descifrando mi “hilo creativo”, por eso la llamó ‘El hilo invisible’, y me lo explicó a mí, que no era consciente de mis propios procesos. Fue una revelación.

"Mi marca se vendió siempre por lo bien que sienta la ropa, por diseño, no por campañas de publicidad o salir en las revistas.”

Cuando volví a la moda, después de esa exposición, me pregunté a mí misma qué prendas quería hacer ahora y la respuesta fueron los “Art Dresses”: vestidos muy ligeros en seda, de patronaje aparentemente simple, donde el estampado era el protagonista, y que no se parecían a nada de lo que había hecho en el pasado. Vestidos con los que se podía ir a la playa o a una fiesta, fáciles, suaves y apetecibles. Los primeros los hicimos con estampados nuestros y después sacamos una serie de prendas basadas en las pinturas de Elvira Amor, que ahora están en nuestras tiendas y representan muy bien el tipo de vestidos que me apetece hacer ahora. 

El mundo ha cambiado y yo también, pero sigo buscando belleza, armonía y sorpresa cuando diseño. Los dibujos aparecen en el papel de manera inconsciente mientras garabateo, y luego el reto es convertirlos en realidad y pulirlos hasta sacar la mejor versión.

P: Durante años, tu nombre ha estado asociado a una elegancia silenciosa, casi intelectual. ¿Crees que ese tipo de moda tiene hoy más sentido que nunca o corre el riesgo de desaparecer?

R: Qué bonito eso que dices. La verdad es que no lo sé. Es emocionante ver la luz que se enciende en las mujeres cuando encuentran una prenda que las realza, que las ilumina. Soy feliz estando al servicio de las mujeres, de poder ser útil con lo que sé hacer, eso da sentido a tanto esfuerzo de tanta gente que hay detrás.

Hemos visto a la Reina llevar diseños tuyos en actos oficiales. ¿Qué lectura haces de esa elección y del papel que juega la moda española en ese tipo de escenarios?

Creo que lo hacen muy bien, y no es fácil.

P: El sector vive un momento de revisión profunda: sostenibilidad, sobreproducción, agotamiento creativo... ¿Cuál dirías que es el mayor reto real al que se enfrenta la moda hoy?

R: Creo que hay que reinventarse. Sabemos que somos una de las industrias más contaminantes y hay un exceso de todo. Me interesan mucho los nuevos procesos de producción de ropa y quiero investigarlos más. 

Yo no soy un ejemplo de nada, a pesar de haber intentado hacer las cosas de la mejor manera posible con las distintas opciones que hay. Queda mucho camino por recorrer. 

“Éxito para mí es amar y que te amen, tener salud, tiempo y libertad.”

La ropa a medida y las prendas de prêt-à-porter de calidad, hechas para durar y en materiales nobles, han sido para mí una manera de encontrar coherencia con los desafíos actuales. Pero la realidad es que nunca se ha hablado tanto de moda sostenible, y sin embargo la industria no ha mejorado, al contrario.

P: ¿Qué has aprendido del pasado de la moda que el presente parece empeñado en olvidar?

R: Yo me formé en un taller de alta costura con una manera de trabajar que se esta perdiendo, rodeada de modistas de las que casi no quedan, el conocimiento está en riesgo de perderse. 

El modelaje forma parte de mi manera de crear, es un proceso muy distinto al de empezar una prenda creando un patrón en plano. Tiene más que ver con la escultura, corregir centímetros, milímetros, mientras se va modelando, dejarse llevar por el tejido sin saber dónde se va a llegar. 

Alguna de mis primeras modistas en Madrid, cuando empecé a los 20 años, trabajaba de esta manera y fueron mis maestras. Era un proceso muy rápido e intuitivo. Esa manera de trabajar se va perdiendo en el prêt-à-porter, haciendo que la ropa sea más plana, menos tridimensional y quizás también más aburrida.

P: Mirando tu trayectoria, ¿ha cambiado tu manera de entender el éxito?

R: El éxito es algo relativo. Un recuerdo claro que tengo es el final de un desfile cuando tenía veintipocos años, la sala estaba en pie, era eso que llaman un éxito, pero no sentía nada, solo quería poder darme una ducha e irme a dormir. Eso me marcó. 

Éxito para mí es amar y que te amen, tener salud, tiempo y libertad. Poder expresarme creativamente, que haya gente que crea en mí, es un lujo. Que aprecien mi trabajo y lo valoren es una bendición, lo agradezco cada día.