Ana Locking: "'Los Bridgerton' han demostrado que la fidelidad histórica puede convivir con una mirada contemporánea"

Ana Locking (Toledo, 1970) es una de las diseñadoras más influyentes de la moda española contemporánea. Formada en Bellas Artes, inició su andadura en la industria primero con Locking Shocking a mediados de los 90 para después lanzar su firma, Ana Locking, en 2008. Su forma de entender la moda y de exponerla al mundo, así como el enfoque artístico, conceptual y narrativo con el que impregna a sus colecciones, le ayudaron a destacar rápidamente. Este año celebra sus 20 años la moda considerada la diseñadora más transgresora y vanguardista de nuestra moda.

Su estilo combina moda de autor con un fuerte discurso social, explorando temas como la identidad, el género, la diversidad y la cultura 'queer', además de inspirarse en el arte y en el empoderamiento femenino. Sus colecciones se caracterizan por una estética vanguardista, el uso de la moda como lenguaje político y la voluntad de romper los cánones tradicionales de belleza y representación. Premio Nacional de Diseño de Moda (2020) y Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2021), ha vestido a figuras públicas como la reina Letizia y ahora, con fan de 'Los Bridgerton', vestirá a Lala Chus para el baile de máscaras que la serie de Netflix celebrará en Madrid. Vanitatis se cuela en su taller de Madrid para hablar con ella tanto del 'regencycore' como de su pasado, presente y futuro en la moda.

PREGUNTA. Es evidente que 'Los Bridgerton' y su vestuario de época con guiños actuales han influido en la industria de la moda y en el impulso de la tendencia 'regencycore'… ¿Qué piensas como diseñadora?

RESPUESTA. Creo que el gran impacto de 'Los Bridgerton' ha consistido en demostrar que la fidelidad histórica puede convivir con una mirada radicalmente contemporánea. La serie respeta las siluetas y códigos de la regencia, pero se permite licencias estéticas muy modernas: color, casting, actitud y narrativa visual. Esa mezcla ha impulsado el 'regencycore' desde un lugar más vanguardista e inclusivo, alejándolo del simple revival romántico. Me parece muy potente cómo la serie introduce diversidad en espacios donde históricamente no existía, como, por ejemplo, personajes racializados ocupando lugares de poder. En ese sentido, la serie no reescribe la historia para negar lo que fue, sino para imaginar el contexto de diversidad y libertad que quizá debería haber tenido, y esa capacidad de subvertir el pasado desde el presente es algo que la moda contemporánea también está explorando constantemente.

P. ¿Qué encuentras de especial en esta época de la historia? ¿Sería tu favorita si pudieses viajar en el tiempo?

R. Me gusta mucho porque es una época de transición: aparentemente delicada y ornamental, pero atravesada por tensiones sociales profundas. Esa dualidad me interesa, porque conecta con algo que siempre aparece en mi trabajo: la búsqueda de la belleza que esconde estructuras de poder y empoderamiento femenino. No sé si sería mi época favorita para vivir —soy bastante consciente de las limitaciones que tenían las mujeres—, pero sí me interesa que fue un momento de transición también para las mujeres que querían empezar a tener notoriedad en la sociedad de su época. Eso se marca muy bien en la serie.

P. ¿Eres fan de la serie de Netflix? Si fueras un personaje, ¿cuál serías?

R. Sí, he visto cada temporada. Si tuviera que elegir un personaje, sería Penelope Featherington, interpretada por Nicola Coughlan. Me parece una figura comprometida socialmente dentro del universo Bridgerton: una mujer que observa, escribe y piensa críticamente sobre la sociedad que la rodea, aunque aparentemente permanezca en segundo plano. Además, el hecho de que sea una mujer de talla grande convertida en protagonista rompe con muchos imaginarios tradicionales del género histórico y del concepto de belleza clásica. Esa combinación de inteligencia, sensibilidad, mirada libre y capacidad para construir un relato me seduce muchísimo.

P. Te has enfrentado al reto de crear un look 'Bridgerton', Ana Locking en versión regencia. Venías de una experiencia similar con el diseño de vestuario para la serie 'La vida breve' ambientada en la España del siglo XVIII. ¿Qué tal fue ese proceso y de lo que aprendiste, qué has aplicado?

R. La vida breve fue mi primera inmersión real en el vestuario audiovisual y me permitió entender algo fundamental: el traje no solo tiene que ser bello, tiene que funcionar dentro del tiempo narrativo y del cuerpo del actor. Aprendí mucho sobre ritmo, sobre cómo una prenda se transforma cuando se mueve frente a la cámara. En 'Los Bridgerton' he aplicado esa conciencia, intentando que la pieza que he creado para Lala Chus dialogue con el contexto donde se verá en movimiento, con el gesto y con la personalidad de Lala.

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POR Álvaro Rey

P. Tu formación en Bellas Artes ha influido profundamente en tu manera de entender la moda. ¿Cómo transformas una idea artística en una prenda con identidad propia?

R. Para mí la prenda nunca nace solo desde lo estético, sino desde un elemento conceptual. Mi formación en Bellas Artes me enseñó a pensar primero en la idea, en el contexto cultural y emocional que la rodea. A partir de ahí empieza un proceso de traducción: cómo ese pensamiento se convierte en silueta, en materialidad y colorido. Me interesa que cada prenda forme parte de un contexto específico, que no sea únicamente bella, sino que forme parte de un relato colectivo con otras prendas de la colección, y que a partir de ahí pueda dialogar con quien la lleva y con quien la observa.

P. Muchas de tus colecciones parten de emociones, vivencias personales o tensiones culturales. ¿Qué papel juega la intuición frente a la planificación en tu proceso creativo?

R. La intuición es el punto de partida, pero la planificación es lo que le da estructura y sentido. Siempre digo que empiezo desde una emoción —algo que me inquieta o me atraviesa— y después aparece el trabajo casi arquitectónico de ordenar ese impulso. Sin intuición no hay verdad, pero sin método no hay lenguaje. Me gusta pensar el proceso creativo como un equilibrio entre lo visceral y lo consciente.

P. A lo largo de estas dos décadas, has convertido la pasarela en un espacio de discurso cultural. ¿Qué te interesa comunicar sobre la sociedad a través de tus colecciones?

R. Me interesa hablar de cómo nos construimos como individuos dentro de nuestra sociedad, que además actualmente es bastante compleja. La moda tiene la capacidad de reflejar tensiones muy profundas: identidad, poder, fragilidad, deseo de pertenencia… Mis colecciones suelen cuestionar qué significa ser visible hoy, cómo se negocia la diferencia y cómo el cuerpo se puede convertir también en un territorio político.

P. Tu estilo es reconocido por su carácter conceptual y vanguardista. ¿Qué elementos consideras esenciales para que una colección tenga coherencia estética y conceptual?

R. La coherencia aparece cuando todos los elementos hablan el mismo idioma emocional: la silueta, el color, la música, el casting, incluso la manera de presentar la colección. No se trata de repetir fórmulas, sino de construir un universo reconocible. Siempre intento que haya una narrativa clara detrás de cada decisión, porque cuando el concepto está bien definido, la estética surge casi de forma natural.

P. La identidad, el género y la autoexpresión aparecen con fuerza en tu obra. ¿Entiendes la moda como una herramienta para construir identidad personal?

R. La moda es una forma de lenguaje íntimo. Nos permite decir quiénes somos, quiénes queremos ser o incluso quiénes todavía no nos atrevemos a mostrar. Me interesa especialmente cómo el vestir puede convertirse en un espacio de libertad, donde el género deja de ser una frontera rígida y se transforma en algo más fluido. En ese sentido, la moda puede ser una herramienta de resistencia, pero también de cuidado y cariño hacia una misma.

P. Como docente y referente, influyes en nuevas generaciones de diseñadores. ¿Qué errores crees que deben evitar quienes comienzan en la industria?

R. Quizá el mayor error es querer llegar demasiado rápido. Les diría que no tengan prisa, que entiendan que la moda no es solo imagen, sino pensamiento, trabajo y resistencia. Creo que es importante no confundir visibilidad con profundidad: las redes pueden amplificar, pero el verdadero lenguaje creativo se construye con tiempo y reflexión.

P. Tu impacto ha contribuido a redefinir la percepción de la moda española. ¿Qué distingue tu aportación dentro del panorama internacional?

R. Pienso que mi trabajo siempre ha intentado situarse en ese lugar donde la moda dialoga con el arte y con el contexto social sin perder emoción. Vengo de una generación que entendió que desde España también se podía construir un discurso contemporáneo propio, sin necesidad de imitar otros centros creativos. Quizá lo que distingue mi aportación es esa mezcla entre narrativa personal, mirada crítica y una cierta sensibilidad emocional que atraviesa todas mis colecciones.

P. Si pudieras resumir tu filosofía creativa en un legado para el futuro, ¿qué te gustaría que representara tu trabajo dentro de la historia de la moda?

R. Me gustaría que mi trabajo se recordara como un espacio de conexión: entre personas, entre disciplinas y entre tiempos distintos. Que se entendiera que la moda puede ser pensamiento, emoción y comunidad al mismo tiempo. Si algo me gustaría dejar es la idea de haber abierto un espacio donde la emoción, la narrativa y el pensamiento crítico hayan convivido con la belleza. Haber querido construir relatos, explorar preguntas, tender puentes entre la moda, el arte y la vida.